Hace poco que dábamos cuenta de su revolucionario trabajo de fusión entre la música barroca y el flamenco en
, que ha conseguido el Choc de la Musique de Classica entre otros galardones, y ahora acaba de presentar su primer trabajo en solitario titulado
, en el que aborda clásicos de la guitarra y de la viola da gamba, con una impronta muy personal.
¿Qué es A piacere?
Es un trabajo de profundidad, fruto de muchos años tocando las mismas piezas. La mayoría no está tal cual fueron escritas, sino son adaptaciones de obras. Esto es un proceso muy lento, de maduración, y de llevar el discurso un poco al extremo, que es lo que siempre he estado haciendo yo. Extremarlo en la manera de decirlo, en el sentimiento, en los tempi... Y para grabarlo tenía que meterme en situación de concierto, ya que cuando estás grabando es como hacer un examen. Lo que hacía era tocarlo 4 ó 5 veces, hasta que empezaba a creérmelo. Procuraba que la gente de cabina estuviese completamente callada, para tocar con tempi super lentos, con tensiones de arco en el extremo, jugar con el suspiro, con ese arco que casi se pasa del puente de la tensión de la cuerda… y al final creo que se ha conseguido. Y eso es lo que hace que para mí el disco tenga un carácter poderoso y extremo, ya que al estar solo sentía que tenía que ir un poco más allá.
La sensación que se tiene es que todo se desarrolla de una forma muy natural.
Yo creo que es de haber tocado piezas que son tuyas de toda la vida y, aunque mi concepción sea extrema, lo que se consigue en definitiva es que resulte una interpretación natural. De hecho, si hay discos míos que yo aguanto es éste. Porque tengo la sensación de estar escuchando la música que yo tengo en la cabeza. Y creo que es algo muy positivo y le aporta una normalización a una música que en principio es muy sofisticada, y que termina haciéndose muy próxima a la persona que está escuchando el disco. En la música antigua esta práctica no debería ser opcional, sino obligatoria. A nosotros no nos ha llegado la música como a un pianista le ha llegado la de Rachmaninov o Liszt, a nosotros nos ha llegado una canción de Murcia o de Sanz, que puede ser lo que tocaba él o la gente del pueblo, y que era un compendio de ideas sobre fandangos, canarios o marionas, y después se podía usar todo ese material para hacer una obra que es también tuya, y que de alguna forma te representa.
¿Y eso puede incluir el bajo o el cajón flamenco?
Los tratadistas de la época hablan de libertad. Si lees a Charles Burney te das cuenta de que una música viva sale del intérprete y el texto es una base por la que tú compones, descompones, sumas o restas. Lo que pasa es que es muy difícil tener un discurso serio, convincente y de alguna manera poderoso, porque ahí estamos jugando a ser creadores. Hasta ahora se ha vivido de limitarse a tocar una cosa que ya está escrita. Eso puede tener sentido para una recuperación histórica, pero eso no pasa por el arte: el arte tiene que ir más allá y la música también, porque lo que se debería recuperar de verdad es la práctica habitual de los músicos de la época. Yo ya he recuperado todo lo que tenía que recuperar, sé lo que es un trino, un mordente, un arpegio y sé cómo lo hacía Marais o Abel, cómo escribía Forqueray y cómo tocaban los italianos. Porque cada uno de ellos lo hacía con total libertad de interpretación, y así también quiero hacerlo. Lo que no voy hacer es un disco que suene a Philip Pierrot o a Jordi Savall.
¿Los nombres del grupo y tus discos no suponen un concepto hedonista de la vida?
Evidentemente, toda la temática del placer lo he relacionado con disfrutar del día, de vivir feliz sin ningún tipo de ataduras y sin tener a nadie que me marque el camino. Profesionalmente, he estado en grupos de un gran reconocimiento nacional e internacional, y me he terminado marchando sencillamente porque sentía algo así, como si alguien me llevase de una cadena. De esta premisa de saber lo que no quería, ha ido surgiendo un estilo propio porque lo que quiero es que todo funcione como yo lo tengo en la cabeza. Este disco tenía que ser como la eclosión de todo lo que yo he defendido en los otros discos; de hecho, he procurado que la gente que habitualmente colabora conmigo en esta ocasión estuviesen sencillamente apoyando el discurso.
¿Qué sentido tiene una viola da gamba hoy?
A la viola da gamba se le ha colgado un sambenito de instrumento débil y monocromo, la mayoría de los violagambistas están todo el rato jugando a estar siempre en la cabaña de Sainte-Colombe con su vinito, su velita, y tocando música melancólica, y la viola da gamba no es eso. Es eso, y quinientas cosas más. La viola puede ser fuerte, débil, agresiva, super dulce o lo que tú quieras; lo que pasa es que cada instrumento debe ser una prolongación de las extremidades del propio instrumentista. Y este disco era la plataforma maravillosa para expresar todo eso, de sacar todos los colores posibles al instrumento; tú coges el fandango de Murcia [originalmente para guitarra] y lo tocas en la viola tal como está escrito y no tiene ningún sentido. Yo me lo planteaba al revés: ¿qué hubiera hecho Forqueray con ese fandango?
¿Habéis abandonado definitivamente vuestro sello para pasaros a Glossa?
Ahora mismo estamos muy bien con Glossa, nos ha quitado un trabajo que impedía dedicarnos a actividades más artísticas. Pero yo no le prometo nada a ningún sello porque sé que a la larga no nos van a dar lo que queremos: nosotros tenemos un trabajo y un producto que es muy particular y que necesita mucho mimo, y que se tiene que presentar de una manera muy diferente a la que se hace normalmente con un grupo dentro de un sello, y eso es una tarea bastante complicada.
http://fahmi.alqhai.com
http://alqhai.alqhai.com
Carlos Tarín
*La crítica del disco puede consultarse en la página 66 del Nº 874 de mayo de RITMO o en http://www.forumclasico.es/RITMOOnLine/Discosparalahistoria/tabid/118/ID/3992/A-PIACERE-Obras-de-SANZ-MURCIA-SAINTE-COLOMBE-MARAIS-RAMEAU-BACH-y-SATRIANI.aspx
Foto: Fahmi Alqhai.
Acred.: Luis Castilla.