UN CLÁSICO DE LA CONTEMPORANEIDAD

A casi 50 años de su composición, la Sinfonía de Berio ha alcanzado ya un estatuto que no cabe sino calificar de clásico. Clásico en el sentido de que contribuyó esencialmente a las radicales transformaciones que el lenguaje musical desarrolló a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, y clásico en el sentido de que lo hizo con una suerte de categórica perentoriedad, alejada de cualquier voluntad experimental. Quizá hoy resulte más perceptible esa dimensión que en el momento de su estreno, cuando el ambicioso collage en el que Berio combinaba citas musicales de Mahler, Stockhausen, Debussy, Beethoven, Berlioz o Strauss con literarias de Beckett, Joyce, Levi-Strauss o consignas que habían sido gritadas pocas semanas antes, durante el Mayo del 68 parisino, fue percibido por los oyentes más como una provocación que como una propuesta rigurosa. Que el presente registro de Ondine, protagonizado por el director finlandés Hannu Lintu, sea ya el sexto, tras las grabaciones dirigidas por el propio compositor, Boulez, Bychkov, Eötvös o Chailly, testimonia asimismo, en el ámbito discográfico, ese estatuto clásico.

Partitura de una asombrosa complejidad conceptual y, a la vez, de una fascinante presencia sonora, la Sinfonía de Berio se asienta en un enunciado simple: “Los libros y las músicas de diferentes épocas hablan entre ellos”. Tras la crisis de la vanguardia formalista y su voluntad de hacer una tabula rasa con el pasado, Berio encuentra un camino para restablecer un diálogo que no caiga en la nostalgia. Un diálogo que, sin embargo, evita, de modo asombroso, y me atrevería a decir que único, el peligro del pastiche trivializador que la posmodernidad aclamará poco tiempo después. Cuando Berio recoge las diversas citas, que se extienden desde el siglo XIX a su propio presente, lo hace siendo consciente de la densidad original de las mismas. Los referentes y contextos que rodeaban esos lenguajes musicales y literarios son tenidos en cuenta para incorporarlos a la obra de acuerdo a una lógica propia que los conserve y los sitúe en nuevas perspectivas de sentido derivadas de las yuxtaposiciones, encuentros o colisiones multilingüísticas que las conectan. El recurso al pasado no se propone como un juego paródico o, peor aún, autolegitimador, por parte del compositor. Por ello es esencial para su interpretación saber conservar la intención, el giro expresivo, que puede bien ser dramático o humorístico, que adquieren esas citas en su nuevo contexto. Junto a ello resulta decisivo el adecuado equilibrio sonoro entre las ocho voces amplificadas y el amplio dispositivo orquestal.

La propuesta de Lintu es absolutamente irreprochable y está realzada por una fabulosa toma sonora, quizá la mejor de toda la discografía, pero se le puede reprochar que esas intenciones expresivas no se manifiesten adecuadamente, sobre todo en la sección vocal, donde no se ha contado con los grupos especializados de otros discos (los Swingle Singers, las London Voices o los Electric Phoenix), perdiéndose así la multiplicidad de inflexiones requeridas ¡no son lo mismo las reiteraciones beckettianas que el discurso antropológico de Levi-Strauss! Eötvös y Chailly siguen siendo las dos mejores opciones. Calmo, inédita en CD y las Cuatro versiones originales de la Ritirata Notturna di Madrid completan un registro perfecto, pero no indispensable.

David Cortés Santamarta