Combinando la disciplina de su formación clásica con el espíritu inventivo de la música electrónica, el trabajo de Max Richter (Hamelín, Alemania, 1966) como productor y compositor habla (y con frecuencia critica) la vida del siglo XXI de manera elocuente y evocadora. En sus primeras obras maestras, como “Memoryhouse” de 2002 y “The Blue Notebooks” de 2003, unió los recuerdos de su infancia y los comentarios sobre las devastadoras consecuencias de la guerra en una música hermosa y dolorosa. Con “Sleep”, de ocho horas de 2015, desafió la creciente disponibilidad del arte y la música, así como la capacidad de atención cada vez menor del público. La fascinación de Richter por el creciente papel de la tecnología en la vida cotidiana fue un tema importante de los lanzamientos que abarcaron la colección de tonos de llamada personalizados de 2008 hasta la música de un episodio particularmente paranoico de 2016 de la serie de televisión “Black Mirror”. A pesar de la naturaleza conceptual de gran parte de su trabajo, Richter siempre mantiene una poderosa conexión emocional con sus oyentes. Y así llegamos a la obra que se nos muestra en el programa final de temporada, “Recomposición: Las Cuatro Estaciones” de 2012, una reinvención experimental de los conciertos para violín de Vivaldi, encabezó las listas de música clásica en más de 20 países.
Richter y su familia se mudaron al Reino Unido cuando él aún era un niño y se establecieron en la ciudad rural de Bedford. En su adolescencia, escuchaba el canon de la música clásica, así como a compositores modernos, incluido Philip Glass, cuya música fue una gran influencia para Richter. The Clash, The Beatles y Pink Floyd también fueron importantes, junto con la escena de la música electrónica temprana. Estudió composición y piano en la Universidad de Edimburgo, la Real Academia de Música y en Florencia con Luciano Berio. Luego se convirtió en miembro fundador de Piano Circus, un grupo clásico contemporáneo que tocaba obras de Glass, Brian Eno, Steve Reich, Arvo Pärt y Julia Wolfe, y también incorporaba sonidos encontrados y vídeos en sus actuaciones. Después de diez años y cinco álbumes para Decca/Argo, Richter dejó el grupo y se involucró más en la próspera escena de la música electrónica del Reino Unido.
Aquí acomete una reelaboración vanguardista basada en bucles del eterno conjunto de conciertos para violín del compositor veneciano, y que a su vez, McGregor coreografió un ballet, “Kairos”, con la recomposición de Richter. Se ha vuelto casi tan omnipresente como los conciertos en los que se basó. Ahora, Richter ha rehecho (“Recomposed”), incluso recomponiéndolo un poco; ¿Richter simplemente está tratando de aprovechar su concepto original? Tal vez, pero en cierto sentido, este fue y sigue siendo el punto. Añaden un nuevo toque al sonido, y todo el nuevo proyecto es un intento intrigante de ver lo que queda de Vivaldi en una era en la que la música evoluciona a través de remezclas y muestreos de material anterior en lugar de ser fija y discreta. Incluso hay una "mezcla de levitación" del movimiento "Spring 1", como si dijera que el proceso continuará más allá.
“Le Quattro Stagioni” de Antonio Vivaldi es una de las obras más queridas de la música barroca, e incluso el oyente más casual puede reconocer ciertos pasajes de "Primavera" o "Invierno" por su uso frecuente en anuncios de televisión y películas. Sin embargo, si estos conciertos se han vuelto demasiado familiares para los fanáticos clásicos experimentados, Max Richter los ha desmontado y ha creado una nueva composición a partir de las piezas deconstruidas. Utilizando procedimientos posminimalistas para extraer fragmentos fértiles y remodelar los materiales en nueva música, Richter ha creado una nueva obra que se dirige a una generación familiarizada con los collages sonoros, aunque su método trasciende la manipulación de la música pregrabada. De hecho, Richter ha reescriturado las Cuatro Estaciones y ha renovado a fondo los movimientos de primavera, verano, otoño e invierno que varían sustancialmente de los originales. El nuevo material sugiere un estado de sueño, donde frases a la deriva y texturas recombinadas se confunden en paredes de sonido, solo para resurgir con absoluta claridad y conmovedora inmediatez. La violinista Sayaka Shoji es la brillante solista de estas piezas recién elaboradas, y la Franz Schubert Filharmonia está dirigida con control y seguridad por ella misma desde el atril, por lo que los efectos cuidadosamente calculados de Richter se manejan con precisión y sutileza. La interpretación estelar captura la música con gran profundidad, amplitud y amplitud, de modo que todo lo que Richter pretendía escuchar se transmite. Desarme y creación una nueva composición a partir de las piezas deconstruidas, usando procedimientos post - minimalistas para extraer fragmentos fértiles y remodelar los materiales en nueva música. A partir de aquí Sayaka Shoji nos presenta el nuevo material en una forma sugerente de estado de sueño, donde las frases a la deriva y las texturas recombinadas se difuminan en las paredes del sonido, solo para reaparecer con absoluta claridad e inmediatez conmovedora, todo ello con una precisión y sutileza de perfecto apoyo en la orquesta y la bella coreografía de Ilya Jivoy, residente del Teatro Mariinsky, con destacados bailarines/as de la escuela de alto rendimiento PAR en Dansa.
Luis Suárez
Sayaka Shoji, violín y directora. PAR en Dansa. Ilya Jivoy, coreografía.
Franz Schubert Filharmonia.
Obras de Max Ritcher.
Palau de la Mùsica, Barcelona.