Dos agradables propuestas italianas abren y cierran el programa; una de las dos "Oberturas" que Schubert dejó plasmadas en partitura, la D.591 y la célebre "Sinfonía nº4" de Félix Mendelssohn, coronadas por el archiconocido "Concierto nº21" de Mozart, por uno de los mejores pianistas españoles de la actualidad, Javier Perianes. Partituras llenas de vitalidad positiva, ilusión y entusiasmo compositivo, ejecutadas a su vez por unos intérpretes entregados a la causa.
Desde finales de 1816, cuando el público musical vienés conoció por primera vez la música de Gioachino Rossini a través de la Compañía de Ópera Italiana visitante, y durante más de una década, que terminó con la producción de la última ópera del compositor, Guillermo Tell (1829), Austria estaba locamente enamorada de Rossini y su estilo veloz pero serio. Franz Schubert, de veinte años, estaba entre los infectados por esta ola de fiebre de Rossini, y en noviembre de 1817 se tomó un descanso de trabajar en su “Sexta Sinfonía” para rendir homenaje informal a Rossini con un par de oberturas "Al estilo italiano". No es la propia denominación del compositor, sino una que es lo suficientemente adecuada.
Si la "Obertura en do mayor, D.591" es la más conocida de estas dos obras eclécticas, es probable que su primera publicación (1865) sea anterior a la de su compañera en unos veinte años. No es del todo exacto decir que esta encantadora obra se basa exclusivamente en el estilo de Rossini, ya que un oyente podría verse tentado durante los primeros compases de la lenta introducción a atribuir la obra a Beethoven, su maestro Salieri o quizás incluso a Haydn. Esa impresión se borra rápidamente, sin embargo, cuando un dúo de clarinete y fagot ofrece una melodía repetitiva, con inflexiones cromáticas y un suave acompañamiento con un carácter particularmente italiano.
El cuerpo de la obertura continúa ejecutado hábilmente con un tempo rápido, introduciendo una melodía burlona, pomposa y alegre, cuyos ritmos agudos y punteados cabalgan sobre el tipo de acompañamiento simple, de un tiempo por compás. La flauta y el oboe de la orquesta cantan una nueva melodía tipo bel canto, después de lo cual se ofrece un buen crescendo, construyendo y construyendo sobre una celda repetitiva hasta que finalmente se alcanza un clímax. La ejecución perfecta muestra cuán bien el joven compositor había asimilado las características de la música de Rossini que amaba en su propio estilo bastante más amplio.
El “Concierto para piano, K. 467”, el Concierto no da absolutamente ninguna señal de haber sido compuesto en una atmósfera de "ajetreo y bullicio", más si de optimismo a raudales; tampoco podría ser mayor el contraste con el tormentoso drama de su inmediato antecesor (nº20). El primer movimiento, un Allegro expansivo de grandeza y diseño olímpico, es seguido por un Andante de belleza sublime que se hizo famoso en tiempos más recientes por su uso en la película "Elvira Madigan".
Este movimiento, con sus pocas notas y su esquema básico, es, por cierto, un ejemplo clásico de la forma en que Mozart se dejaba espacio para improvisar en el contexto de sus propios conciertos. El final es un Allegro vivace assai, su evocación del mundo de la ópera buffa, típica de muchos de los finales de Mozart, tanto en concierto como en sinfonía. Perianes demuestra, una vez más, que lo tiene todo: una técnica tan superlativa que nunca notaba que estaba allí, un tono capaz de infinitas gradaciones de sonido e inflexión, y un sabor de humanidad tan esencial y sublimidad por excelencia. Aborda el delicioso pentagrama mozartiano con una articulación impecable, un tono diáfano y una interpretación de compasión trascendente.
Grau, que asimismo se muestra humilde ante la interpretación del solista, y dirige la Orquesta ad hoc en un acompañamiento que es un modelo de tacto, con una claridad constante, expresión sincera y entusiasmo abundante. La propina chopiniana del solista nuevamente hizo flotar la sensibilidad contagiada al público entregado.
A principios de 1833, Mendelssohn completó su "Sinfonía nº4 en la mayor", publicada póstumamente como Op. 90. Comenzó la pieza en Italia en 1832 y la terminó en Berlín. Se interpretó por primera vez en Londres el 13 de marzo de 1833 y desde entonces ha sido la sinfonía más popular de Mendelssohn. El compositor le dio a la pieza su apodo, "italiana”, según el mismo señaló que en la sinfonía trató de transmitir sus impresiones personales sobre el arte, la naturaleza y la gente de Italia.
Musicalmente, es una obra original más estrictamente controlada que sus sinfonías anteriores; el tema de apertura es uno de los más famosos de toda la música. Grau ofrece una lectura más que correcta de las texturas orquestales características de Mendelssohn que son evidentes desde el principio: los vientos de madera pulsantes crean un fondo armónico para el tema simple de los violines. El ritmo rápido y la naturaleza fragmentaria del tema evitan que la música caiga en una interpretación predecible; algo muy necesario, sobre todo en los movimientos centrales: emulación de una procesión religiosa y cantábile con la forma de minueto respectivamente. La interpretación es bastante vívida y nítida en todo momento, y la dirección de Grau se traduce en expresiones dinámicas, sobre todo en el Saltarello final de esta obra maestra de Romanticismo.
Luis Suárez
Franz Schubert Filharmonia.
Javier Perianes, piano.
Tomàs Grau, director.
Obras de Schubert, Mozart y Mendelssohn.
4, 5 y 6 de febrero, 2022.
Teatre de Tarragona / Auditori de Lleida / Palau de la Mùsica de Barcelona.