Dos obras maestras de dos de los grandes compositores de la historia de la música, concebidas en dos momentos distintos de la carrera de cada uno, y que desprenden, al igual, magia y poder hipnótico para lo cual se necesitan unos buenos intérpretes y una gran acústica, lo cual se ha dado en ambas partes.
En 1825, cuando un joven Mendelssohn, de 16 años, terminó su “Octeto Op.20”, ya había producido su Primera Sinfonía numerada, Op.11, un año antes, pero el octeto es más sofisticado y puede considerarse con seguridad una sinfonía completa, aunque escrita solo para ocho intérpretes de cuerda. Las propias palabras de Mendelssohn, escritas de su puño y letra en la partitura autógrafa, son prueba de ello: "El Octeto debe interpretarse al estilo de una sinfonía en todas sus partes; los pianos y los fuertes deben diferenciarse con precisión y acentuarse de manera más aguda de lo que se hace habitualmente en piezas de este tipo".
No se trata simplemente de un cuarteto doble, sino de un verdadero octeto en el que el contrapunto, la textura y la complejidad armónica altamente sofisticados. En cuatro movimientos, la obra se desarrolla con un brillante allegro en el primer movimiento que da paso a un andante maravillosamente onírico en el segundo tempo. Un scherzo del tercer movimiento tiene una textura y una transparencia que recuerdan a las de un compositor de cámara, pero, una vez más, es sinfónico en su alcance y tamaño. De hecho, desarrolla una complejidad casi diabólica debido al brillante uso que hace Mendelssohn de las ocho voces; fue posteriormente compuesto para orquesta por el compositor y presentado a la Sociedad Filarmónica de Londres en 1829 como una obra separada y completa. El final presto se abre con un resoplido absolutamente extraño de los violonchelos, pero explota inmediatamente en un vigoroso revuelo que avanza, sin apenas tomar aire, hasta un gran final verdaderamente sinfónico.
La pieza es particularmente significativa en la carrera de Mendelssohn, ya que fue una de las dos obras singularmente brillantes que se consideraron un indicador de su genio en su adolescencia. (La otra obra identificada de esta manera es la igualmente brillante Obertura de El sueño de una noche de verano). Salva la brecha entre el Mendelssohn compositor de cámara y el Mendelssohn sinfonista de una manera particularmente efectiva.
Después de haber completado su atronadora y superficial Obertura de 1812, Tchaikovsky se dedicó a crear una obra suave y musical que le proporcionara una vez más el consuelo de aludir a su ídolo musical, Mozart, en forma y espíritu. Esto no quiere decir que la “Serenata para orquesta de cuerdas” imite a Mozart, porque no lo hace. Pero parece que en la mente del compositor estaba una obra en la línea de una pieza clásica, con cuatro secciones que contrastan musicalmente, pero que juntas forman una serie de estructuras contrastantes pero complementarias que no dependen unas de otras como, por ejemplo, los movimientos de una sinfonía. El segundo movimiento, Vals, y, ocasionalmente, el tercer movimiento, Elégie, se interpretan solos como piezas de concierto. No obstante, tomadas en conjunto, las cuatro secciones forman una obra poderosa y convincente, y la coherencia de la forma y la partitura de Chaikovski las vinculan inexorablemente.
La Serenata comienza con "Pieza en forma de sonatina", que tiene más pasión de la que cabría esperar en una sonatina. En el furor y la popularidad de la segunda sección, el vals a veces se pierde la increíblemente serena belleza de la extensa elegía de la tercera sección. Esta surge como la más larga de las cuatro partes y contiene una escritura típicamente maravillosa y expresiva, del tipo en el que Tchaikovsky era un maestro. Un pasaje de transición perfecto al comienzo de la cuarta sección conduce a un final nítido. Aquí, el compositor demuestra una vez más que podía escribir música poderosa y conmovedora sin recurrir a un volumen de sonido excesivo o una grandilocuencia brutal.
Vlad Stanculeasa, en interpretaciones expresivas y satisfactorias, se siente bastante cómodo con estas obras refinadas. El oyente pudo disfrutar de unas proporciones equilibradas, la orquestación transparente y hermosas líneas de los maestros del siglo XIX. Aun así, las ardientes melodías y las exuberantes armonías de Mandelssohn y Tchaikovsky son de su propia época, y el conjunto se ve desafiado a presentar esta música elegante pero ambigua con dosis iguales de pasión romántica y gracia clásica. Stanculeasa mantiene las dos cualidades en un equilibrio que funciona admirablemente, y la música parece aún más viva debido a la tensión. También es destacable la variedad de timbres que produce esta orquesta de cuerdas, y sus sonoridades ricas en matices son más gratificantes en los pasajes camerísticos del “Octeto”. Unas versiones elegantemente gráciles con la intensidad concentrada, con un fraseo bellamente trabajado, sonoridades cálidamente esculpidas y el equilibrio exacto entre forma arquitectónica y contenido expresivo. Stanculeasa, violinista igualmente convertido en director, presta una atención maravillosa a los detalles y su capacidad para hacer que las cosas sigan avanzando incluso en movimientos lentos, envidiable.
Luis Suárez
Auditori Josep Carreras, Vila-Seca, Tarragona (24/01/2025)
Franz Schubert Filharmonia. Vlad Stanculeasa, concertino y director.
F. Mendelssohn: Octeto, op. 20. P.I. Tchaikovsky: Serenata para cuerdas, op. 48
Foto © Martie Berenguer