De nuevo nos encontramos con Félix Mendelssohn y Johannes Brahms en el programa de la Franz Schubert Filharmonia Orquestra, surtido de sus más hermosas obras: la "Sinfonía nº3 (Escocesa)" y el "Doble Concierto para violín, violonchelo y orquesta", respectívamente.
Brahms escribió esta obra durante el verano de 1887 y dirigió él mismo el estreno el 18 de octubre en Colonia, con Joseph Joachim y Robert Hausmann como solistas, respectivamente, de violín y violonchelo. Brahms acababa de cumplir 20 años cuando conoció a Joseph Joachim (1831-1907), ya un violinista célebre a los 22 años y destinado a ser aclamado también como compositor, director y pedagogo. Fue Joachim quien recomendó su nuevo amigo a Robert y Clara Schumann, asegurando así su celebridad. Durante 30 años los dos fueron amigos íntimos a pesar de la distancia que separaba habitualmente sus bases de poder: la de Joachim en Berlín, la de Brahms en Viena, finalmente. Joachim, sin embargo, tenía una debilidad: los celos obsesivos hacia su esposa Amalie, a la que acusó de adulterio en 1881 con su editor (asímismo el de Brahms y Dvorák), Fritz Simrock. Brahms no lo creyó y así lo expresó en una carta de consuelo a su amigo Joachim. Durante las vistas de divorcio, ella presentó esta carta al tribunal y el juez estuvo de acuerdo públicamente con su contenido.
Como resultado, Joachim cortó la comunicación con Brahms durante seis años, aunque continuó tocando la música del compositor. Finalmente, tratando de reparar el daño, Brahms compuso el "Concierto Doble" como ofrenda de paz; el esfuerzo tuvo éxito, aunque la camaradería de años anteriores nunca se restableció por completo. Además de componer las sonatas de 1886 para violín y violonchelo, Brahms había estado estudiando concerti grossi barrocos, por lo que el sonido de los instrumentos de cuerda estaba en sus oídos. Este concierto, obra maestra, sería su última obra orquestal.
Desde el complejo vacacional suizo de Hofstetter en el lago Thun, escribió a varias personas sobre su "extraño vuelo de fantasía... para violín y violonchelo". Pero antes envió una postal a Joachim, que recibió el 19 de julio de 1887, cuando Brahms ya había terminado la obra y estaba copiando partes solistas. Cuando Joachim respondió con entusiasmo a vuelta de correo, Brahms le pidió que organizara una interpretación con Robert Hausmann, que había presentado la "Sonata para violonchelo Op. 99" unos meses antes; el propio Brahms acompañaría al piano. Esto tuvo lugar en la casa de Clara Schumann en Baden-Baden en septiembre (su diario señala que "Brahms y Joachim han vuelto a hablarse después de años de silencio"). Aunque ni el estreno en Colonia ni la primera interpretación en Viena fueron un éxito, el concierto finalmente entró en el repertorio.
El Allegro inicial (en la menor; 4/4) comienza con el núcleo del tema principal, luego un "recitativo" para violonchelo y, finalmente, el núcleo de un segundo tema más lírico. A continuación, el violín tiene su turno, aunque el violonchelo se entromete después de cinco compases, tras los cuales la orquesta finalmente llega a tocar una exposición de 44 compases de temas ya vistos. Los solistas interpretan la segunda exposición tradicional, pero no hay, en el desarrollo o recapitulación, mucha ejecución al unísono. A pesar de todo, los solistas (Kashimoto y Chaushian) no son estrellas con un elenco secundario, sino simplemente personajes principales en un drama principalmente orquestal. Los pasajes al unísono aparecen en las secciones A y A' de la forma de canción dulcemente otoñal y de sabor folk Andante en re mayor (compás de 3/4). Los instrumentos solistas se acoplan o se superponen brevemente en una sección central en fa mayor, hasta que una transición enarmónica mágica conduce de nuevo a la ejecución al unísono.
El Rondó (vivace non troppo), alegre pero "no demasiado animado", tiene secciones A repetidas con un ritmo staccato-marcato que una ejecución mal pensada puede acelerar y, al hacerlo, adulterar. La sección B es más amplia, con acordes en el violonchelo de los que se hace eco el violín. La sección C, en fa mayor, es igualmente amplia pero más larga, antes de que el material A regrese una vez más.
La interpretación de Brahms por parte de Kashimoto y Chaushian es tan sensible, vivaz y bien pensada como Brahms deseara, ya que despreciaba escuchar su música interpretada de manera rígida metronómica, y siempre prefería que el tempo fuera un concepto más fluido. Así pues Kashimoto y Chaushian están bastante en sintonía con esta preferencia, y los dos producen música que es como un diálogo dinámico y fluido. Esto nunca da la impresión de un uso excesivo del rubato o de una excesiva romantización; Kashimoto es muy controlado en su uso del ritmo desde el sensual movimiento intermedio hasta el caprichoso final. Su tono es claro, potente en todo el registro de su instrumento y cálido, aunque penetra fácilmente por encima de la orquesta. Los dos solistas hacen un espléndido trabajo de combinación de tono, articulación, equilibrio y entonación a lo largo de todo el concierto repleto de diálogos. El sonido con lla orquesta, magníficamente dirigida por Grau es limpio, pero a la vez voluminoso y presente.
La "Sinfonía nº3 en la menor, Op. 56", de Mendelssohn es en realidad la última sinfonía que completó el compositor. Las cartas de Mendelssohn muestran que su primera inspiración para la sinfonía llegó en 1829, durante su primera visita a Inglaterra. Después de algunos bocetos, Mendelssohn dejó de lado la pieza hasta 1841, cuando las decepciones en su vida lo colocaron en un estado de ánimo similar al que experimentó en Inglaterra 12 años antes. La concepción y los bocetos tempranos pueden explicar la falta de definición de algunos de los temas. La pieza se completó el 20 de enero de 1842; se interpretó por primera vez el 3 de marzo del mismo año en Leipzig y se publicó en 1843. Después de una exitosa interpretación de la sinfonía en Inglaterra en 1842, Mendelssohn recibió permiso para dedicarla a la reina Victoria.
Cada movimiento debe pasar inmediatamente al siguiente sin pausa, lo que la distingue de las otras sinfonías de Mendelssohn. Mendelssohn añade a las indicaciones de tempo de cada movimiento indicaciones que reflejan el carácter de la música, lo que transmite las impresiones de Mendelssohn sobre el paisaje escocés. El primer movimiento, que comienza con una introducción lenta, contenida, al estilo de Haydn, pasa de repente a un tempo de Allegro un poco agitato con un tema principal tratado con una técnica de variación. La orquestación es una de las más densas de Mendelssohn; modulaciones curiosas y estimulantes abren tanto la sección de desarrollo como la coda. La sección de desarrollo es concisa y eficaz. Cuando el tema principal vuelve en la recapitulación y la introducción en la coda, los temas están respaldados por un contratema en los violonchelos. La coda también contiene la famosa "ola" cromática, interpretada por las cuerdas.
El alegre Scherzo, marcado Vivace non troppo, deriva de la música folklórica escocesa, lo que es una sorpresa, ya que en 1829 Mendelssohn se quejaba de que esos sonidos le daban "dolor de muelas". El movimiento contrasta marcadamente con el denso primer movimiento y está en forma de sonata. El movimiento se desvanece y se disuelve para preparar el Adagio que sigue.
La resignación reina en el bello tercer movimiento, un Adagio cantabile en La mayor. Una clara referencia a Beethoven aparece en las cuerdas graves, que interpretan un motivo parecido al tema del Allegretto de la Séptima Sinfonía de Beethoven. También aparecen reminiscencias del Cuarteto de cuerdas Op. 74 de Beethoven. Bellamente orquestado, el movimiento se divide en dos secciones principales separadas por material recurrente.
Las melodías populares aparecen nuevamente en el Finale, un movimiento inusualmente poderoso y militante para Mendelssohn. Un tema agresivo y saltarín en los violines inicia el movimiento, apropiado para la dirección de Mendelssohn, Allegro guerriero (Rápido y belicoso). La técnica de fragmentación impulsa la sección de desarrollo a medida que los temas se superponen y se tratan de manera contrapuntística. Después de la recapitulación no escuchamos una coda con referencias temáticas a la exposición, sino que Mendelssohn pasa a una coda Maestoso, en la que escuchamos material nuevo y el tema de la introducción, que se repite a través de variaciones y ahora transmite un aire de triunfo después de la "batalla". El círculo compositivo se cierra en la mayor.
De nuevo Grau nos muestra una interpretación, donde las texturas son extremadamente limpias porque el sonido instrumental es extremadamente fino. Los violines suenan con naturalidad y calma, mientras los metales àportan el contraste pomposi, con el resultado de que todo es audible, incluidas las violas y los el viento madera, exactamente en la proporción adecuada. La partitura se escucha con una brillante lucidez. La interpretación no es simplemente austera, sino también firme, dura y con intensidad. La coda del movimiento inicial es especialmente sutil, y toda la interpretación presenta a ese genial compositor alemán, de suaves texturas románticas y bellas melodías.
Luis Suárez
Teatre de Tarragona.
Daishi Kashimoto, violín. Alexander Chaushian, violonchelo.
Franz Schubert Filharmonia Orquestra. Tomàs Grau, dirección.
Obras de J. Brahms y F. Mendelssohn.
20/02/2025