Cuatro obras maestras forman lo que se puede clasificar como un póker ases sobre el tapete de cualquier programa, con una solista excelente, como Alexandra Soumm y un verdadero especialista en el repertorio del Siglo XVII, Ton Koopman. La temporada de abono de la Franz Schubert Filharmonia ofrece una verdadera delicatessen para cualquier melómano.
La corte del joven príncipe Leopoldo en Cöthen fue el penúltimo paso en el ascenso profesional de Bach, desde organista en Arnstadt en 1703 hasta Kantor en Leipzig, desde 1723 hasta el final de su vida. Había sido Konzertmeister en Weimar (1708-1717) antes de su nombramiento como Kapellmeister en Cöthen, donde permaneció seis años. Compuso mucha música instrumental (más que litúrgica) en este puesto secular, aunque la mayor parte se ha perdido. Entre los supervivientes se encuentran los Conciertos de Brandeburgo y otros tres conciertos para uno o más violines solistas con acompañamiento de cuerda y bajo continuo: los Conciertos en la menor y mi mayor para su concertino en Cöthen, Joseph Spiess, y el Concierto para dos violines en re menor.
Formalmente, compuso todos los conciertos, excepto el "Brandeburgo nº 3", en tres movimientos rápido, lento, rápido inspirados en los conciertos barrocos italianos de Vivaldi. El genio de Bach residió en su capacidad de individualizar y trascender el estilo de aquel contemporáneo mayor y admirado que, indirectamente, fue su mentor. En los “Conciertos para violín nº 1 y 2, BWV 1041/2”, el movimiento central es un aria sin letra: lírica, expresivamente cálida, siempre suave, pero inevitablemente melancólica en el caso del escrito en la menor, quizás la tonalidad más inherentemente sombría del léxico tonal. Como es habitual en los conciertos de Bach, la relación del solista con los pasajes de conjunto completo se encuentra en un fascinante equilibrio entre competición y cooperación.
Esta intepretación de los conciertos, ampliamente explorados, a cargo de la violinista Soumm, refleja una bella luz sobre estas apreciadas obras maestras, impregnándolas de toda la alegría de su sonido. Esto significa que Bach va más allá incluso del vigoroso sonido italiano de Vivaldi. La claridad contrapuntística nunca se pierde, y en los movimientos lentos derrocha una intensa cualidad lírica que, si bien puede resultar poco idiomática, cautivará a los oyentes si se lo permiten. Además, cuenta con el excelente sonido de estudio del Auditori Granados. En general, Soumm y Koopman toman prestados los tempos rápidos (en los movimientos exteriores) y la agilidad del arco de los intérpretes con orientación histórica con buenos resultados, y sus movimientos lentos son genuinamente intensos; utiliza la fuerza de un solo instrumento por parte con eficacia como parte de su concepción camerística general de la música, que es vivaz y variada; también hay muchas interacciones interesantes con el bajo continuo. Se trata de interpretaciones expresivas que atraen a oyentes de todo tipo.
Johann Sebastian Bach probablemente escribió su “Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068”, en 1731. Este no era el tipo de música que solía escribir; es más ligero que su obra, normalmente más rigurosa, sacra o fugal. Las suites para orquesta también se llamaban Oberturas, y eran una forma de entretenimiento polivalente, con ciertas pretensiones de la cultura francesa, la afectación más buscada entre la realeza europea del siglo XVIII. El género consistía en una colección de fragmentos de ballets y óperas francesas, y el arreglo de la forma era una obertura (el comienzo de una obra escénica) seguida de una colección de danzas. Fiestas en jardines, ferias comerciales y cualquier otro tipo de celebración eran buenos escenarios para estas piezas. Bach solo escribió cuatro de estas obras; no era algo que hiciera con naturalidad.
Sin embargo, los grupos locales de músicos de Leipzig, llamados Collegium Musicum, necesitaban música; había sido nombrado director en 1729, además de sus funciones habituales en la Escuela Thomas. Su posición política en Leipzig solía ser precaria, ya que solicitaba con frecuencia al Ayuntamiento mejores salarios, mejores condiciones de enseñanza y dirección, y más fondos para la música en general. Para ello, probablemente necesitaba comprometerse con actos de buena fe, y música como esta Suite Orquestal en Re mayor habría sido precisamente lo que el Consistorio y los ciudadanos disfrutaron. Es muy probable que esta obra fuera una recuperación de una pieza similar que escribió alrededor de 1720 en Cöthen. Su estreno en Leipzig probablemente tuvo lugar en el Café Zimmermann de la Cather-Strasse. Un anuncio del concierto, descubierto, presenta la Suite Orquestal en Re mayor. Para alguien que se mantenía alejado del mundo de la música ligera y de entretenimiento, Bach era un buen compositor. Esta suite utiliza una rica mezcla de timbres, su segundo movimiento, Air gira en torno a una de las melodías más famosas que jamás escribió. Bach aborda la música con sus instintos personales intactos, y se inclina tanto por Italia como por Francia en este material.
Koopman interpreta la Suite con la destreza habitual que de él se espera. El conjunto es lo suficientemente amplio como para que se puedan escuchar todas las diferentes partes, ya sean principales o secundarias, sin perjudicar el panorama musical general. Son interpretadas de una manera bastante íntima, muy diferente de la presentación más festiva que suelen recibir. El conjunto toca con un sonido pulido, con Koopman acercando al público a la verdadera esencia barroca.
El casi cuarto de siglo que separa la primera sinfonía de Mozart de su última, la “Sinfonía n.º 41 en do mayor” (1788), estuvo marcado por el interés recurrente, si no continuo, del compositor por las posibilidades inherentes a esta forma. Al examinar la cronología de las obras de Mozart, se observa que la composición de sus sinfonías tiende a ocurrir en grupos irregularmente espaciados, de hasta nueve o diez ejemplos seguidos, en lugar de hacerlo de forma regular o individual. Lo que esto podría sugerir, más allá de cualquier motivación económica, es que empleó estos diversos períodos específicamente para resolver los problemas y desafíos de la forma sinfónica. Al examinar estas obras, se observa que los hitos más destacados aumentan casi geométricamente con el paso del tiempo, de modo que, con la producción de la Sinfonía "Júpiter" dos años antes de su muerte, como parte de un grupo de tres compuestas en menos de tres meses.
La Sinfonía n.º 41 encarna acertadamente lo que hoy se identifica como un paradigma de la forma sinfónica clásica: cuatro movimientos: el primero y el último a un tempo rápido, el segundo más lento y el tercero un minueto con trío. Sin embargo, libre de las normas sugeridas por ningún modelo, la hábil imaginación de Mozart distingue esta obra de otras de similar composición. El primer movimiento se caracteriza en parte por el empleo dramático y efectivo de pausas inesperadas en el flujo rítmico mediante el uso de silencios, un rasgo compartido con las sinfonías de Haydn, y quizás influenciado por ellas. Tras una regularidad inicial, la irregularidad y la variación en la longitud de las frases también contribuyen al ímpetu dramático. La serena quietud en fa mayor del inicio del segundo movimiento se ve pronto interrumpida, contrastando con episodios en tonalidad menor, más inquietos y rítmicamente insistentes. Este conflicto entre calma y oscuridad continúa a lo largo de toda la obra, prevaleciendo finalmente el espíritu inicial. El tema cromático descendente y el acompañamiento fluido y uniforme del minueto marcan un tono elegante para el tercer movimiento. El Trío acompañante ofrece una atmósfera más terrosa, más abiertamente bailable, que, sin embargo, se ve interrumpida por un repentino estallido de tutti más serio.
El movimiento final es excepcional por la riqueza de su lenguaje contrapuntístico, un atributo un tanto inesperado (y, como dirían algunos contemporáneos de Mozart, anticuado) en una obra sinfónica de la época. El motivo de cuatro notas que inicia el movimiento se desarrolla de diversas maneras, la más prominente como el inicio de un canon recurrente y un tema de fuga que se presenta tanto en su forma original como en inversión. El efecto no es de academicismo, sino de gran tensión e impulso dramático que, erizado y en busca de resolución, encuentra su lugar de reposo solo en los compases finales.
Koopman ofrece una interpretación de Mozart muy flexible en tempo y sigue un curso casi improvisado que bien podría reflejar el capricho del momento. Enérgica, original y excepcionalmente intuitiva que ha deleitado a los amantes de la música. Los solistas ofrecen un tono potente pero fluido y nunca se ahoga, con un sonido cálido y excelente.
Luis Suárez
Alexandra Soumm, violín. Ton Koopman, conductor.
Franz Schubert Filharmonia.
Obras de J.S. Bach y W.A. Mozart.
Auditori Enric Granados, Lleida.